HISTORIA DEL ARTE II
Docente:
Paredes Lascano Iliana Sabina
Alumno:
Isaac Fernández
Trabajo:
Proceso de análisis (happening, performance; instalaciones,
body art, Luigi stotnayolo y Mario Fernando gracias moreno)
UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO
CARRERA DE ARQUITECTURA
QUITO – ECUADOR
2015
HAPENNING
Análisis bibliográfico
Marta
Inés Minujín (Buenos Aires, Argentina, 30 de enero de 1943) es una artista
plástica argentina, conocida por sus obras vanguardistas producidas
principalmente durante los años 1960, 1970 y 1980. Su obra, de carácter
conceptual, pop, psicodélico y de acción, se ha convertido en el paradigma de
la generación baby boomer que, en los años 1960, revolucionó las normas
sociales preestablecidas y estableció una contracultura. Nació en Avellaned.
Habiendo vivido una infancia que ella misma ha descrito como
"horrible", Minujín estudió Bellas artes en algunas escuelas
nacionales sin recibirse. A los dieciséis años presentó su primera exposición
individual e inició su breve paso por el informalismo. Ese año, Minujín
consiguió una beca en Francia y para emanciparse falsificó su documento y se
casó con el economista Juan Gómez Sabaini. En 1962 regresó a la Argentina, pero
un año más tarde vuelve a París gracias a otra beca. Allí se vincula con el Nuevo
realismo y realiza su primer happening, La destrucción (1963), en el que
colegas de Minujín destruyeron los trabajos de la artista. De vuelta en Buenos
Aires, Minujín presentó varios happenings, performances e instalaciones
artísticas en el Instituto Di Tella. Durante fines de los años sesenta, Minujín
se adhirió al movimiento contracultural hippie en Nueva York tras haber ganado
la Beca Guggenheim, donde se volcó al arte pop y el arte psicodélico. Durante
esta época y más tarde en la década de 1970, Minujín trabajó tanto en Buenos
Aires como en Nueva York. A fines de los años setenta siguiendo las sugerencias
de Roberto Mackintosh comienza con los obeliscos en movimiento y sus obras
seccionables y a principios de los ochenta se vuelca al arte ambiental con
obras como Repollos (1977) y Toronjas (1977), y a proyectos que desacralizaban
mitos populares, como El obelisco de pan dulce (1979) y Carlos Gardel de fuego
(1981).
Comenzó
sus estudios en las escuelas nacionales de bellas artes de Buenos Aires. Presentó
su primera exposición personal en 1959 en el Teatro Agón. En 1960 obtuvo una
beca del FNA que le permitió instalarse en París, donde participó en la muestra
Pablo [Curatella] Manes y treinta argentinos de la Nueva Generación.
"Nosotros
nos autodefinimos como pop. Arte popular, arte que todo el mundo puede
entender, arte feliz, arte divertido, arte cómico. No un arte que es necesario
entender, es un arte que es necesario gustar; que hace pop y lo entendés."
Comenzó
a realizar estructuras habitables, cubiertas de colchones encontrados entre los
desechos de los hospitales parisinos. En el baldío del Impasse Roussin, realizó
"La Destrucción" (1963), su primer happening, para esta obra reunió
todas sus piezas con colchones e invitó a un grupo de artistas a "destruirlas"
(Christo, Élie-Charles Flamand, Lourdes Castro, Mariano Hernández y Paul
Gette). El mismo año, con Jean-Jacques Lebel, organizó el happening "El
Gallo", en la Galería Raymond Cordier. A su llegada a la Argentina, fue
una de las pioneras en la representación de happenings en ese país junto a
miembros del mítico Instituto Di Tella de Artes.
Análisis contexto
En
este happening de 1965 en Costanera Sur, Buenos Aires, Minujín entró al Río de
la Plata cubierta en periódicos.
Análisis compositivo
La
expresión “arte de acción” es un término amplio que incluye un conjunto de
prácticas artísticas basadas en el desarrollo de alguna actividad individual o
colectiva, momentánea o durable, que involucra elementos más o menos físicos, o
que es completamente inmaterial.
Su
aparición está vinculada con el intento de algunos artistas de trascender los
medios tradicionales (pintura, escultura, grabado, dibujo), ya sea por
encontrarlos limitados en sus cualidades expresivas, por considerarlos
políticamente objetables (al relacionarlos con los valores burgueses o el
mercado), o simplemente, por la búsqueda de la novedad mediante la renuncia a
lo ya conocido o la experimentación.
Análisis
comunicacional
Esta
obra de happening está compuesta claramente de una persona cubierta con trozos
de periódico en el cual esta artista argentina llamada Marta Inés Minujín podemos observar que el
usuario está sentado y con el periódico cubierto literalmente está leyendo el periódico
enterándose de todos las noticas políticas, culturales y etc.
Esta
argentina trata de sobrellevar los problemas políticos, culturare en una solo fotografía
simple y cuerda a todos los medios de comunicación.
Análisis crítico
personal
Para
mí el happening es una obra artística que lleva todo sentido de composición con
pintura y una gran variedad de componentes para la elaboración de una obra en
la cual tiene técnica, formas equilibrio y unidad que llena todo como una unión
en toda la sociedad en la que vivimos porque cada obra cada happening tarat de
sobrellevar los problemas del mundo en específicamente reflejando en estas
hermosas y exquisitas obras.
Cave
recalcar como manifestación artística
múltiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser
efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos,
irrumpiendo en la cotidianeidad.
En
el principio el happening es una tentativa de producir una obra de arte que
naciese del acto a organizar y con la participación de los
"espectadores" (que abandonasen así su posición de sujetos pasivos y
se liberasen a través de la expresión emotiva y la representación colectiva).
Aunque es común confundir el happening con la llamada acción artística el
primero difiere de la segunda en la improvisación.
PERFORMANCE
Análisis bibliográfico
Marc
Montijano, artista visual y performer nacido en 1978 en Vic, Barcelona
(España), que vive y trabaja en Málaga.
nicia
su formación artística en el taller de su padre, el pintor Miguel Montijano.
Licenciado en Historia del Arte en la Universidad de Málaga, completa sus
estudios en Roma. En sus primeros años compagina la práctica artística con la
teoría y la docencia. Trabaja como profesor universitario y crítico de arte
para varias publicaciones, para concentrarse paulatinamente, a partir de
2003-04, en su faceta artística. En este periodo de varios años, muestra muy
pocos trabajos en público y su obra pictórica va evolucionando de la figuración
a la abstracción y del trazó a la materia, a través de sus series: Retratos del
Alma (2003-05), Crucifixión (2006-11),1 y Roma (2009-2010).2
En
la serie Crucifixión comienza a desplegar gran parte del universo espiritual
que luego plasmará y desarrollará con mayor magnitud en su serie Metamorfosis.
También supone el inicio del uso de cuerdas en su obra, una de las características
más definitorias de su trabajo.3
En
paralelo, se va involucrando en el mundo de la performance o arte de acción de
la mano de Proyecto Homines, un colectivo artístico al que pertenece, y con el
que realiza sus primeras incursiones en el campo de las performances, con
proyectos como Adanes y evas (2004-05), Autorretratos (2006), Princesas (2007)
o Etéreos (2008). Con los que empieza a investigar en temas sociales.
A
aparte de sus performances con Proyecto Homines, en 2009 comienza a realizar sus
primeras incursiones en solitario en el campo del arte de acción con trabajos
como El Suicidio de Picasso,4 en Málaga, y El suicidio de la esperanza, en
Madrid, ambas de su serie Suicidios, en los que aparece la cuerda a modo de
soga. Para posteriormente realizar Exposición Efímera (2010), un proyecto a
medio camino entre arte urbano, instalación y acción artística, en el que un
cuadro del artista permaneció expuesto en plena calle durante cinco horas.
Análisis contexto
47 millones de cabezas de ganado (Metamorfosis
XVII), performance realizada el 22 de septiembre en el mercado de San
Francisco, Jaén.
Entre
sus trabajo destaca la serie Metamorfosis, proyecto iniciado en junio de 2010,
con una performance realizada en Málaga en apoyo a las víctimas de la violencia
de género.5 A raíz de este trabajo, que tuvo un gran impacto mediático, el
Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, le invita a desarrollar un amplio
proyecto con su serie Metamorfosis. La colaboración entre el artista y el CAC
Málaga, dura más de un año (desde octubre de 2010 hasta diciembre de 2011), y
los frutos de este trabajo fueron once performances.
Metamorfosis
es una serie en la que el artista investiga sobre la capacidad humana de
cambio, de transformación y los sentimientos que surgen durante ese proceso.
Este trabajo con el tiempo se ha convertido en el lenguaje que define a Marc
Montijano y mediante el cual se expresa. Su obra posee una estética muy
marcada, los personajes de sus acciones van desnudos, tienen la cabeza cubierta
por un saco y están enrollados o rodeados de cuerdas. Un elemento determinante
en toda su obra, son las cuerdas.
En
este proyecto los personajes están rodeados de cuerdas. A veces desatados
completamente, con las cuerdas a sus pies o sentados sobre ellas; otras veces a
medio atar, deshaciéndose de las ataduras; y en otros casos totalmente
enrollados, como una larva. Todo depende del momento concreto de la
metamorfosis que quiera representar el artista, desde la fase más profunda
hasta la etapa final con el cambio consolidado (estado A, estado B o estado C).
Las cuerdas representan el capullo, envoltorio o caparazón en el que germinan y
la muda de la que se desprenden cuando despiertan a la nueva vida. Bajo esta
imagen turbadora, se esconde un universo reflexivo y fecundo con un destacado
poso espiritual. Con un gran peso conceptual, en sus performances reflexiona
sobre la sociedad actual y el hombre embrutecido.
Entre
sus performances más destacadas, cabe citar, a aparte de la serie llevada a
cabo en el CAC Málaga (2010 y 2011), la performance que realizó con varios
modelos desnudos delante de la Catedral de Jaén (2012); Morituri te salutant,
la acción frente a la sede de Bankia en Madrid, en pleno estallido de la crisis
(2012); la performance de cinco horas de duración en la que expuso a varios
modelos como trozos de carne en un puesto del mercado de abastos de Jaén
(2012); la acción Welcome to Paradise en la que arrojó a un hombre a la basura
en Málaga (2013).6 ; el proyecto Exiguo marmore en la galería JM (2013), en el
que hacía una crítica al materialismo exponiendo cinco modelos en un
escaparate; Una, gran i lliure (2014), donde reflexiona sobre el
independentismo y la situación política en Cataluña7 ; Proyecto 47 (2014-2015),
en el que retrata el problema de la vivienda en España y sus consecuencias; o
su último trabajo, Las dos naturalezas (Metamorfosis XXI), en el Centre
Pompidou Málaga 8 .
Análisis compositivo
Esta
obra está compuesta por una persona que esta obviamente tapada la cara esto es
por motivos de seguridad y privacidad con consiguiente la persona está
constituida por una envoltura de cuerda todo su cuerpo tiene cuerdas no tiene
un orden en específico están aleatoriamente por todo lado también este usuario
lleno de cuerdas esta presentado en una vitrina de vidrio que las personas lo
ven como una obra.
La
obra de Marc Montijano tiene una composición muy compleja lleno de técnicas ejercidas
por la ubicación de las cuerdas en el cuerpo de la persona.
Análisis
comunicacional
Metamorfosis
es una serie en la que el artista investiga sobre la capacidad humana de
cambio, de transformación y los sentimientos que surgen durante ese proceso.
Este trabajo con el tiempo se ha convertido en el lenguaje que define a Marc
Montijano y mediante el cual se expresa. Su obra posee una estética muy
marcada, los personajes de sus acciones van desnudos, tienen la cabeza cubierta
por un saco y están enrollados o rodeados de cuerdas. Un elemento determinante
en toda su obra, son las cuerdas.
En
este proyecto los personajes están rodeados de cuerdas. A veces desatados
completamente, con las cuerdas a sus pies o sentados sobre ellas; otras veces a
medio atar, deshaciéndose de las ataduras; y en otros casos totalmente
enrollados, como una larva. Todo depende del momento concreto de la
metamorfosis que quiera representar el artista, desde la fase más profunda
hasta la etapa final con el cambio consolidado (estado A, estado B o estado C).
Las cuerdas representan el capullo, envoltorio o caparazón en el que germinan y
la muda de la que se desprenden cuando despiertan a la nueva vida. Bajo esta
imagen turbadora, se esconde un universo reflexivo y fecundo con un destacado
poso espiritual. Con un gran peso conceptual, en sus performances reflexiona
sobre la sociedad actual y el hombre embrutecido.
Análisis crítico
personal
Esta
obra me cautivo en su forma de poder crear esta obra como este autor pone todos
los componentes necesarios del performance de una obra espectacular esta obra tiene lo
necesario de ser performance y lo que
nos quiere comunicar utilizando un medio vanguardista que es el de la
performance es que esta obra está compuesta de una factor de improvisación por
ende esta improvisación provoca asombro.
La
obra de Marc Montijano da transformación y con cuerda con los sentimientos que
surgen durante ese proceso. Este trabajo con el tiempo se ha convertido en el
lenguaje que define a Marc Montijano y mediante el cual se expresa. Su obra
posee una estética muy marcada, los personajes de sus acciones van desnudos,
tienen la cabeza cubierta por un saco y están enrollados o rodeados de cuerdas.
Un elemento determinante en toda su obra, son las cuerdas.
INSTALACION
Análisis bibliográfico
Banksy
es el pseudónimo de un prolífico artista del street art británico. Nació en
Liverpool, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se
desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy «nació en 1974
y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó
como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol
en Bristol de finales de la década de 1980». Su trabajo, en su gran mayoría
piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina
escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos
generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con
una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a
trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk
Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a
finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta.
Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he
pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo
mejor, sólo que veinte años antes."1 Sus obras se han hecho populares al
ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.
Graffiti
atribuido a Banksy, en Liverpool, Inglaterra.
Recientemente
se publicó el libro Freedom Through Football: The Story Of The Easton Cowboys
& Cowgirls en donde se confirma la primera fotografía tomada a Banksy
mientras realizaba un graffiti en Chiapas, México en 2001.
Banksy
oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado
que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría
haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el
nombre, Robin Banks, y «robbing banks («robando bancos», en inglés). Otro
nombre sugerido incluye el de Robin Gunningham.
Simon
Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo
cara a cara, lo describe como «una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés
Mike Skinner» y «un varón de 28 años que se presentó en un par de jeans y una
camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata».
Generalmente
se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del
grafitero y que tiene entre 28 y 35 años.
Comenzó
su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año
2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus
pintadas en ciudades de todo el mundo.
Banksy
utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los
grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado
«daño criminal» puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que
deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).
Banksy
también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para
empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos
comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de
Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras. Esto lo ha
llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas.
Hay
varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas, oportunidades de foto
(lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas),
soldados orinando, policías, etc.
Hombre
desnudo, imagen obra de Banksy, en Park Street, Bristol, Inglaterra, en la
pared de un centro de planificación familiar. Según consulta popular efectuada,
el ayuntamiento ha decidido que esta imagen no será borrada3 en Park Street,
Bristol, Inglaterra. - (Visión más amplia).
En
agosto de 2005, Banksy realizó murales sobre el Muro de Cisjordania, construido
por Israel en los territorios ocupados de Cisjordania (concretamente en Belén,
Ramala y Abu Dis), combinando varias técnicas.
En
octubre de 2014, se encontró un nuevo mural de Bansky llamado Girl with a
Pierced Eardrum (Chica con un tímpano perforado), el cual se refiere a una
parodia del famoso cuadro de Johannes Vermeer llamado Girl with a Pearl Earring
(Chica con un arete de perla), cambiando la valiosa joya por una alarma de
seguridad en la fachada de un estudio de grabación en Hanover Place, Brístol.
El mural atrajo gran atención ya que es exhibido en la ciudad donde creció el
artista y apareció después de un gran rumor de su arresto.4
El
22 de agosto de 2015 Bansky inaugura Dismaland, una instalación temporal a modo
de parque temático erigido en colaboración con 58 artistas elegidos
personalmente por el autor
Análisis contexto
Para parodiar
la caída de las cabinas del famoso London Telephone, el famoso artista
británico Banksy coloca un hacha a través de éste.
La primera vez
que vi una pieza de Banksy fue por mi
padre apenas unos meses después de que esta obra apareciera en las calles de
Soho, Londres en 2006. Recuerdo que mi hermano y yo haciamos preguntas sobre
esta escultura y mi padre, siendo el Whovian que es, decía “Tal vez, fue
atacado por la Tardis”, y para dos niños con un fuerte amor por Doctor Who;
bien, no me malinterpreten, esa respuesta parecía de fiar. Ahora que soy mayor,
tengo claramente otra opinión al respecto. Al principio, pensé que era acerca
de un teléfono público muriendo a causa de la era del teléfono móvil; después
de darle vueltas en mi mente una y otra vez, he construído otro argumento; veo
algo Occidental, antiguo, la cultura tradicional siendo asesinada justo en el
corazón. Una imagen de la cultura británica siendo sacrificada (no cualquier
teléfono público es una imagen cultural, no es sólo una piqueta. Esto tiene
profundas raíces en la historia británica, por la Minería). Podría usar
cualquier otro símbolo cultural; un Taxi
Negro (Black Cab) o un autobús rojo de dos pisos. Supongo que el teléfono público
es más fácil o más barato de hacer. Lo entiendo.
Aunque, puede
ser sólo la representación de la evolución de la cultura en todo el mundo;
todos los países parecen estar influidos por otros. En México, que nos guste o
no, parece que hay una gran ola de influencia norteamericana.
Personalmente,
¡esta pieza me encanta! Tal vez, la cultura antigua no muere y sólo se
transforma para adaptarse. Darwinismo cultural, supongo y Banksy es un genio
absoluto, no hay otra mayor expresión de la posición que tiene una cabina de
teléfono en nuestro mundo moderno del siglo 21. Me dan ganas de mudarme a una
remota isla tropical sin internet tan sólo de mirar esta obra de arte.
Análisis compositivo
Bueno
en esta obra la composición es de una
cabina telefónica que fuera de lo común fuera del alcance normal esta esta
tirada y girada también cave recalcar que lleva una hacha atravesad en un
espacio del vidrio tiene técnicas que solo el artista lleva a cabo en esta obra
también puede reflejarse que el artista utilizo la simpleza de una cabina e una
obra que asombra al mundo.
Análisis
comunicacional
Para
parodiar la caída de las cabinas del famoso London Telephone, el famoso artista
británico Banksy coloca un hacha a través de éste. Personalmente, ¡esta pieza
me encanta! Tal vez, la cultura antigua no muere y sólo se transforma para
adaptarse. Darwinismo cultural, supongo y Banksy es un genio absoluto, no hay
otra mayor expresión de la posición que tiene una cabina de teléfono en nuestro
mundo moderno del siglo 21. Me dan ganas de mudarme a una remota isla tropical
sin internet tan sólo de mirar esta obra de arte.
Análisis crítico
personal
Mi
criterio sobre las instalaciones es que las instalaciones artísticas a mi
parecer son las que definen el ambiente que existe dentro de una habitación y a
la vez las instalaciones sirven como decoración interior, yo pienso que estas
obras poseen mucha belleza y estilismo y pueden ser utilizados para muchos
fines.
BODY ART
Análisis bibliográfico
Youri
Messen-Jaschin (n. 1941 en Arosa, Suiza.) es un artista de origen letón. Como
artista es reconocido en el arte cinético y sus incursiones en el body
painting. Parte de su obra la realizó mientras vivió en Venezuela.
Realizó
sus estudios artísticos en la Universidad Superior Nacional de Bellas Artes y
la Universidad de Altos Estudios de la Sorbona, sección ciencias y sociales, en
París. De 1962 hasta 1965 visitó el Colegio de Bellas Artes en Lausana, y allí
trabajó con el grabador y pintor Ernest Pizzotti.
Su
obra artística se inicia en en 1964 en la Expo 64 Lausanne con esculturas
cinéticas de vidrio y acrílico.
Durante
esta etapa de experimentación y aprendizaje, Youri Messen-Jaschin trabaja dos
años en el "Centre de la gravure contemporaine" de Ginebra y poco
después se traslada a Zurich, donde extiende sus perspectivas pictóricas bajo
la dirección del pintor Friedrich Kuhn. De 1968 hasta 1970, es miembro activo
de la Högskolan för design & Konsthantwerk de Gotemburgo, donde trabaja en
objetos cinéticos textiles. En 1967, tras una exposición en el Museo de Arte
Moderno de Gotemburgo se encuentra con Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz-Díez y
Julio Le Parc. Hablando con estos artistas, descubre el arte óptico (Op art), y
partir de entonces se dedica de lleno al arte cinético.
Durante
su prolongada estadía en Gotemburgo, Messen-Jaschin trabaja en el movimiento y
las formas geométricas que integra en sus textiles y sus pinturas al aceite. En
esta época su trabajo en el dominio del arte óptico adquieren fama en Escandinavia,
donde tiene la oportunidad de exponer en varios museos donde su trabajo es
denominado de vanguardia.
En
1968 Messen-Jaschin recibe el primer premio por el arte de la grabación
contemporánea Suiza. El mismo año, recibir una beca por parte de Suecia. En los
años 70 se traslada a Hamburgo, donde trabaja con artistas alemanes en
diferentes proyectos monumentales.
De
1970 a 1981 se instala en Berna, desde donde establece contacto con artistas
que trabajan en el mismo movimiento artístico como Oscar Niemeyer en Brasil y
Clorindo Testa en Buenos Aires.
En
esta época llega a Caracas, donde pone en escena obras teatrales y
coreográficas de su creación en el Ateneo de Caracas, el VI Festival
Internacional de Teatro, la Fundación Eugenio Mendoza, la Asociación cultural
Humboldt (Goethe-Institut), Alianza francesa y la Fundación Interalumina ciudad
Guyana. Messen-Jaschin vuelve a Suiza tras la devaluación de la moneda en 1983
a causa de la inestabilidad política del país.
En
1985, recibe la Statua della Vittoria en el Premio Mondiale della Cultura del
Centro studi e ricerche delle Nazioni, en Calvatone, Italia. Youri se convierte
igualmente en Académicien de l'Europe de la Università e Centro Studi e
Ricerche de l'Europa en Italia.
Youri
Messen-Jaschin ha participado en numerosas exposiciones particulares y
colectivas y ha recibido premios por sus investigaciones en el arte óptico en
Italia. Sus obras se encuentran en colecciones privadas y museos. Las
superficies amplias y dimensiones monumentales ligadas a la inserción de la
tercera dimensión, marcan y distinguen sus trabajos.
Las
esculturas de Youri Messen-Jaschin son enriquecidas por el movimiento, son
puestas en el medio ambiente (movimiento y desplazamiento en el espacio), y
complementadas con música (el movimiento desencadena el sonido). Sus primeras
búsquedas e investigaciones con sonidos datan desde finales de los años 1960.
En 1970, Messen-Jaschin integra el neón en su arte óptico, el cual continua
empleando hoy en día en instalaciones y pinturas de aceite.
Sus
composiciones Trip..., Living in...., On Line... con líneas de colores trazados
sobre materiales jugando a la transparencia, reproducen estructuras cinéticas
particularmente sutiles que ponen en juego lo abstracto y la ilusión por una
parte, y la demostración psicofisiológica del movimiento por otra.
Análisis contexto
Como
elemento de base, el cuadrado sirve de tela de fondo y se enriquece de otras
formas geométrica insertadas en sus lados. Estas formas geométricas
reproducidas uniformemente sobre toda la superficie de la obra, se desarrollan
progresivamente sin perder su identidad, igual cuando el artista aplica una
trama irritante de líneas paralelas. Estas obras imponen la desprogramación de
lo programado mentalmente (interpretación a toda voz "pelo a todo
pelo") invitándonos a disfrutar de la más pura sensación de fascinación,
que desencadena todo sueño.
Youri
utiliza continuamente la técnica del encolado para sus aceites y guaches. Sus
colores predilectos: rojo, amarillo, verde fuerte, combinaciones de azul y
tintes luminosos.
Todo
como la construcción algorítmica de los elementos, el juego de colores, estructura
plástica, tienta una primera integración de la cibernética y el arte. Su
método, empírico, crea nuevas percepciones de los colores y efectos de la
óptica particularmente chocantes. Las formas geométricas como el cuadrado, el
triángulo o el círculo se desarrollan progresivamente sin perder su
originalidad, lo mismo cuando el artista aplica una trama irritante de líneas
paralelas.
La
utilización que hace Youri Messen-Jaschin del movimiento y del color como medio
de comunicación lo trabaja y lo ordena como los arquitectos cinéticos del
espacio.
Entre
las especialidades de Youri se encuentra el body painting, trabajo que presenta
en clubes y puestas en escena, o en la oscuridad utilizando lámparas UV. En
este arte, recubre integralmente en cuatro horas cuerpos desnudos con colores
psicodélicos y biológicos, sin peligro para la piel.
Análisis compositivo
esta
obra esta compuesta por los siguientes factores principalmente por un color
llamativo de hecho tiene muchos colores llamativos colores de neón, en la cual
todos estos colores llamativos están dispersos por el entorno del cuerpo de una
mujer. El artista con delicadeza fue otorgando figuras con colores de neón en
todo su cuerpo con un orden específico si podemos observar que en esta caso las
figuras son humanas como personitas que llegan un determinado color de neón tiene
todo como la construcción algorítmica de los elementos, el juego de colores,
estructura plástica, tienta una primera integración de la cibernética y el
arte. Su método, empírico, crea nuevas percepciones de los colores y efectos de
la óptica particularmente chocantes. Las formas geométricas como el cuadrado,
el triángulo o el círculo se desarrollan progresivamente sin perder su
originalidad, lo mismo cuando el artista aplica una trama irritante de líneas
paralelas.
Análisis
comunicacional
En
esta obra de body art Craig Tracy quiere hacer notar la belleza de un cuerpo femenino desnudo,
solamente cubierto con pintura, desea comunicar al público que la belleza se
puede encontrar en las formas más simples y que no es necesario utilizar
demasiadas cosas para demostrarlo.
Análisis crítico
personal
En mi criterio
personal Yo pienso que el body art es el que mejor plasma la belleza y todo lo
que tiene que ver con estética dentro de todas las artes de acción ya que
utiliza al propio cuerpo humano la simetría del cuerpo del ser humano y eso le
da una mejor apariencia cuando utilizan diversos colores, no solo se aprecia la
belleza del arte sino también la de un cuerpo humano. El artista Youri
Messen-Jaschin lleva la pintura no necesariamente en cuadros sino también en la
simetría del cuerpo aprovecha la belleza del cuerpo para utilizar todas sus magníficas
obras de artes.
Análisis bibliográfico
LUIGI
STORNAIOLO PIMENTEL
Nació
en Quito el 9 de Junio de 1956. Hijo legítimo de Bruno Stornaiolo Miranda,
Psicólogo clínico y periodista, autor de la novela "Réquiem por un
Dinosaurio", de un volumen de cuentos y de otros libros, y de Angela
Pimentel Franco, naturales de Napoles y Quito respectivamente.
El
segundo de una familia de cuatro hermanos. Estudió en el Colegio salesiano
Cardenal Spelman y vivía en la Cordero y Amazonas. De siete años se enfermó de
gripe y su padre le obsequió el libro "Cómo dibujar" para que se
distrajera mientras guardaba cama. Aún conserva el libro y cree que su lectura
fue la primera motivación que recibió hacia el arte.
Su
madre, muy hábil para todo tipo de artesanías, cose, teje, cocina y hacía
perfiles pequeñitos de personas amigas, lo que siempre llamó poderosamente su
atención. Su abuela paterna Anna Miranda Lalama, vivía su viudez en la casa de
al lado, fumaba y conversaba mucho, jugaba naipes y pronto se lo llevó con ella
para que la acompañara, además es autora de un poemario impreso bajo el título
de "Risas y Lágrimas".
De
12 años comenzó a hacer caricaturas de los principales deportistas de Quito,
que su padre hacía pública en "El Comercio" y en "Ultimas
Noticias" por S/. 5 cada una.
En
1974 se graduó de Bachiller luego de figurar con honor en el equipo de fútbol
de su Colegio, como guardameta de exitosa carrera. Motivado por su padre
ingresó a la Facultad de Arquitectura, pues no sabía que funcionaba una de
Arte, estudió tres años sin mayores ganas y aprendió nociones de diseño, dibujo
técnico y otras técnicas afines.
En
1977 abandonó la Facultad y viajó a visitar a sus tíos los Stornaiolo en
Napoles. Fue una época de intensas experiencias, concurrió a Museos, admiró las
telas de los grandes maestros y se formó una idea de lo que realmente quería
ser en la vida. Hernán Rodríguez Castelo ha opinado que fue en ese viaje que
"descubrió las posibilidades de la pintura grande, asumiendo aunque
obscuramente, el que sería su estilo, con el paso del tiempo".
Análisis contexto
Frente
al insostenible imperativo de pintar algo nuevo, la madurez pictórica de
Stornaiolo permite la repetición de personajes gavillezcos y escenas en fuga…
Pájaros
gigantescos, florestas idílicas, aguas de ríos privatizados o piscinas de
sangre se tragaron todos los intentos de construir sentido. Hemos visto
circular la idea de que el Ecuador es un paisaje natural, es decir una imagen
configurada en la ausencia de referentes simbólicos, una cordillera pelada
sobre la que un hombre refunda una patria. La pintura de Luigi nos recuerda de
golpe que esa falta de referentes, esa ausencia de rostros y de miradas, tiene
implicaciones macabras. Repetir el paisaje no tiene sentido si ese paisaje no
repite –deja ver– la subjetividad de un discurso. Repetir es la operación predilecta de la
búsqueda de sentido. En el contexto de una obra de más treinta años como la de
Stornaiolo, repetir esos autómatas grupos orgiásticos, sacarlos de la Mariscal
y ubicarlos en el contexto del paisaje natural implica al menos dos variaciones
significativas: en primer lugar, se asume que esos grupos siguen siendo la
preocupación central de la obra pero no son ya representantes anodinos de lo
urbano moderno, de la sexualidad y la muerte, sino que son poderes
terratenientes. Éstos grupos han naturalizado –léase esencializado- su relación
con el territorio, son la muerte misma. Acuden a morir en un spa o se fugan en
una balsa abarrotada, en un océano intemporal… Ana Fernández
Análisis compositivo
Esta
obra está compuesta por pinturas determinadas utilizadas por este artista lleva
acabo la simetría de cada cuadro él tiene una exquisitos componentes de poder
elaborar sus obras cada pintura lleva equilibrio.
Análisis
comunicacional
La
pintura de Luigi nos recuerda de golpe que esa falta de referentes, esa
ausencia de rostros y de miradas, tiene implicaciones macabras. Repetir el
paisaje no tiene sentido si ese paisaje no repite –deja ver– la subjetividad de
un discurso. Repetir es la operación
predilecta de la búsqueda de sentido. En el contexto de una obra de más treinta
años como la de Stornaiolo, repetir esos autómatas grupos orgiásticos, sacarlos
de la Mariscal y ubicarlos en el contexto del paisaje natural implica al menos
dos variaciones significativas: en primer lugar, se asume que esos grupos
siguen siendo la preocupación central de la obra pero no son ya representantes
anodinos de lo urbano moderno, de la sexualidad y la muerte, sino que son
poderes terratenientes.
Análisis crítico
personal
Las obras de
este gran señor espectacular artista llamado Luigi Stronaiolo Pimentel tiene un factor importante en la sociedad el
lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede aombrado,
inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el tema de sus
obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar todos los
problemas todo proceso político cultural y social para sacar para expresar todo
esos conflictos en sus reflejantes obras.
LUIGI STORNAIOLO PIMENTEL
Análisis contexto
AnLa
muestra de Luigi Stornaiolo se inauguró en un nuevo espacio para el arte y la
cultura en Quito que, generosamente, la Asociación de Funcionarios y Empleados
del Servicio Exterior Ecuatoriano, AFESE, ha puesto a la disposición de la
comunidad. Este espacio queda en la calle U. Páez y Roca y la exhibición estará
abierta hasta el 14 de noviembre.
Como
curadora de la muestra, les invito en esta ocasión a acercarnos a la obra de
este brillante artista ecuatoriano, a quien considero un filósofo pesimista del
Ser. Blasfemo y creyente, corrosivo y moralista, Stornaiolo convive, en la
promiscuidad más absoluta, con todas sus personalidades. Su obra recorre un
caleidoscopio de la infamia, grita su repugnancia, su aversión, su desprecio a
una parte de lo que somos; entretanto, una explosión de fuerzas encontradas se
entrechocan y se destruyen mutuamente. El ser humano, vencido en densas
pesadillas de fango, en un efluvio corrupto, de pestilencia pegajosa y
errática, no puede sino verse atrapado en la seducción de lo infecto. La
escoria, engendros del azar y el hastío que desde un quinto piso apestan a cama
trasnochada y a sudor obediente, llenos de perfidia y de lagañas, llenos de
amargura, de pantomimas, desencajados y erráticos. Como decía el gran Enrique
Santos Discépolo en 1934 en el tango Cambalache: “Que el mundo fue y será una
porquería
ya
lo sé...
¡En
el quinientos seis
y
en el dos mil también!”.álisis compositivo
Análisis comunicacional
Este cuadro
refleja como una curadora de la muestra, les invito en esta ocasión a
acercarnos a la obra de este brillante artista ecuatoriano, a quien considero
un filósofo pesimista del Ser. Blasfemo y creyente, corrosivo y moralista,
Stornaiolo convive, en la promiscuidad más absoluta, con todas sus personalidades.
Su obra recorre un caleidoscopio de la infamia, grita su repugnancia, su
aversión, su desprecio a una parte de lo que somos; entretanto, una explosión
de fuerzas encontradas se entrechocan y se destruyen mutuamente. El ser humano,
vencido en densas pesadillas de fango, en un efluvio corrupto, de pestilencia
pegajosa y errática, no puede sino verse atrapado en la seducción de lo
infecto.
Análisis crítico personal
Las obras de
este gran señor espectacular artista llamado Luigi Stronaiolo Pimentel tiene un
factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou
las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este
artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede
observar todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar
para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
LUIGI STORNAIOLO PIMENTEL
Análisis contexto
Es ardua la
tarea de intentar decir algo nuevo acerca la obra de un gran maestro sobre la
cual mucho se ha escrito. Sin embargo, su pintura perpetúa un diálogo con la
humanidad y no renuncia hoy a su presencia ni a su actualidad. A pesar de sus
arduas circunstancias vitales, Luigi continúa forzando a la naturaleza,
exprimiéndole sentimientos, críticas y miedos. Es la lucha de la creatividad
contra la nada.
La
degradación de las ‘almas cariadas’, como diría Girondo, es una constante en la
obra de Stornaiolo. En un clima de asfixia, una corriente corpórea de miembros
sacude el lienzo y no nos deja impávidos, un hedor pegajoso y errante nos
contamina con su efluvio corrupto. Esa agresividad ambivalente está cargada de
una ironía moralizante, una ética religiosa que germina desde su infancia a
través de su educación en un colegio católico. Es la náusea que siente por una
parte de lo humano, esa dicotomía de lo que somos: una parte de nosotros es
mirada como perteneciente a un mundo condenado a la perdición…el artista, en
una especie de maniqueísmo, nos juzga y, al mismo tiempo, se juzga a sí mismo,
a su parte más débil. Los personajes que representa son seres de una idiotez
purulenta, de gestos leprosos que inspiran aversión y desprecio. En una
palabra, cada cuadro incluye un dilema moral, un pesimismo sistemático que se
cuela en casi todos los resquicios. El ser no es individual sino representa
parte de una masa amorfa, amoral e irreverente.
Muchas
veces se ocupa del ambiente urbano, en particular de la noche y su ‘fauna’. La
vida bohemia y la ignominia aparecen en obras emblemáticas como “Baile de
amplio como de reconocido prestigio en el medio” o en “Caracteres de miseria en
el quinto piso” de principios de los noventas. La ebriedad caricaturizada que
intoxica el espíritu y la razón (“Espectáculos energumenescos de gente ebria en
noche plenilunada”), la glotonería (“Gran Bufatta”, 1993), la avaricia (“Cajero
automático”, 1996), la hipocresía (“Velorio en Santa Teresita”, 1993), los
detritus humanos (“Unos que cagan”,
1996; “Baño de hombres”, 1997) o la lujuria (“Coje”, 1996) son parte de
ese leitmotiv que impregna la obra de
Stornaiolo.
De
técnica brillante, cuya inspiración proviene del Renacimiento y del Barroco, a
Stornaiolo se lo ha comparado en innumerables ocasiones con el Bosco, con Goya,
o con Francis Bacon, pero también con la fuerza moralizante, corrosiva y
crítica del primer expresionismo alemán de ‘Die Brücke’. Lo que ocupa el resto
del cuadro es la mancha, un estilo de pinceladas gruesas y una gran autonomía
del color.
Si
el arte ambiciona ser la ‘patentización’ de la verdad (Heidegger) o como decía
Picasso “es una bella mentira que nos hace ver la verdad”, en Stornaiolo se
hace visible la verdad más oscura del ser humano, lo que no queremos ver, el
tabú o la sombra jungiana que negamos pero está omnipresente y se refleja en la
alteridad que juzgamos. Tal como decía Adorno, en un mundo terrible, es inmoral
hacer un arte bello o que pretenda serlo. El perverso curso del mundo, hoy
desmantelado de pájaros, de marchito cielos mustios, devastado y grisáceo, de
atardeceres rancios, exprimido hasta el tuétano, está demasiado lleno de
cuerpos intoxicados de instintos, y al arte no le queda más remedio que sacudirnos.
El
arte intenta dar respuestas, representa al Yo del artista tanto como al No-Yo,
es decir, al Universo que lo rodea, y es precisamente la obra de arte la
poseedora de una fuerza catártica y el nexo que comunica al artista con el
otro: el espectador. Pero a través de la disonancia, Luigi Stornaiolo nos da
una cachetada incitándonos a una reacción que desencadene lo destructivo-
transformador. Sigmund Freud pensaba que el arte rinde tributo a las fuerzas
más recónditas y socialmente consideradas salvajes, carnales y violentas que
gobiernan lo humano. A través de la obra brillante de este gran artista
ecuatoriano podemos comunicarnos con lo abyecto que hay en nosotros mismos y
transmutar en este juego alquímico hacia el aspecto divino de lo inmanente.
Análisis comunicacional
De
técnica brillante, cuya inspiración proviene del Renacimiento y del Barroco, a
Stornaiolo se lo ha comparado en innumerables ocasiones con el Bosco, con Goya,
o con Francis Bacon, pero también con la fuerza moralizante, corrosiva y
crítica del primer expresionismo alemán de ‘Die Brücke’. Lo que ocupa el resto
del cuadro es la mancha, un estilo de pinceladas gruesas y una gran autonomía
del color.
Si
el arte ambiciona ser la ‘patentización’ de la verdad (Heidegger) o como decía
Picasso “es una bella mentira que nos hace ver la verdad”, en Stornaiolo se
hace visible la verdad más oscura del ser humano, lo que no queremos ver, el
tabú o la sombra jungiana que negamos pero está omnipresente y se refleja en la
alteridad que juzgamos. Tal como decía Adorno, en un mundo terrible, es inmoral
hacer un arte bello o que pretenda serlo. El perverso curso del mundo, hoy
desmantelado de pájaros, de marchito cielos mustios, devastado y grisáceo, de
atardeceres rancios, exprimido hasta el tuétano, está demasiado lleno de
cuerpos intoxicados de instintos, y al arte no le queda más remedio que sacudirnos.
Análisis crítico
personal
Las
obras de este gran señor espectacular artista llamado Luigi Stronaiolo Pimentel
tiene un factor importante en la
sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede
aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el
tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar
todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar para
expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
Análisis bibliográfico
Nació
en la ciudad de Ibarra. Su padre, Mario Francisco Raúl García Gallegos y su madre
la dama Ibarreña Mercedes Magdalena del Carmen Moreno Almeida. Su padre oriundo
de Riobamba, nació el 9 de febrero de 1.939. Cuando niño se trasladó a vivir a
la ciudad de Ibarra, donde conoció a su esposa quien había nacido en octubre de
1.942. La influencia familiar y el ambiente artístico literario y lúdico fueron
muy fuertes. Por parte de su madre, hubo una importante vena artística
vinculada tanto a la familia.
Almeida
como a la familia Moreno. Se recuerda, en especial, a la abuela de nuestro personaje,
doña Jael Almeida, mujer virtuosa en el piano, quien incursionó en este arte, incluso
participó en recitales permanentes en la Radio Municipal La Voz de Imbabura.
En
esta familia, la mayoría de sus miembros eran virtuosos en algún instrumento
musical.
Como
influencia importante de su vida, cita a sus tíos maternos, a Patricio y
Fernando Moreno Almeida, debido a su interés por la creatividad manual y a su
perspectiva particular, analítica y filosófica de la sociedad y de la vida en
su conjunto.
En
el hogar formado por Mario García y Mercedes Moreno Almeida, nacieron cinco
hijos: María Isabel, Alexandra, Helena, Silvana y Mario García Moreno. De entre
ellos, debemos hacer mención a sus hermanas Helena y Silvana, que han
incursionado también, con éxito, en la escultura y también en la pintura.
Helena
expone con gran aceptación en las galerías de Alemania y pasea su arte por Europa.
Silvana, está vinculada a la dinámica de la defensa de la naturaleza y desde
ese eje se vincula al arte.
De
su padre, don Mario García, hereda el amor a la literatura, la afición por los
libros, la contemplación y el análisis filosófico, el gusto por la ficción y
sin duda, la afición y la sensibilidad por las artes plásticas. De hecho, en la
actualidad, el padre es el presidente de la Fundación Pedro Moncayo, que
patrocina las artes plásticas, la producción literaria y la protección del
patrimonio. Como vemos, el ambiente familiar y social que rodeó su infancia
influyó notablemente en su afición por el arte, concretamente la escultura y la
pintura. Cuando vivió y estudió en Quito, su madre Mercedes aún vivía y la casa
maternal bullía con la presencia de intelectuales, artistas jóvenes rebeldes y políticos
vinculados a la protesta social. El eje en este hogar era la presencia
sonriente y acogedora de doña Mercedes, quien Lastimosamente falleció de un
cáncer terminal.
Análisis contexto
El "campo
dominante" del arte (Bourdieu) es emulado inútilmente -a pequeña escala-
en la ciudad de Quito (Ecuador), principalmente por parte de sujetos y círculos
sociales pertenecientes a las capas más occidentalizadas o en proceso de serlo
(estudiantes). Casi todos los artistas locales tratan de establecer empatía con
los principios de ese arte, practicando la estrategia de la "mímesis
complaciente" ya desde épocas coloniales y republicanas, sin resultados
considerables, lamentablemente.
Sobre esa
dependencia cultural se ha teorizado ya bastante: Marta Traba (Dos décadas
vulnerables de las artes plásticas latinoamericanas) y Juan Acha (Las culturas
estéticas de América Latina) constituyen un buen ejemplo de lo mencionado.
Oswald de Andrade (1928) nos dijo: "solo me interesa lo que no es
mío" en su manifiesto antropófago, dando cuenta y enfrentando el problema
con responsabilidad social.
Ahora, sin
embargo, su pensamiento crítico al parecer se disolvió en la nada, en el ámbito
artístico nacional, dentro del cual los actores sociales ignoran o aparentan
ignorar los factores que aún inciden sobre la valoración de su producción
artística y sobre su propia significación. Sobre tal significación del artista
local ya he hablado en una de mis obras: "El significante es el
significado" (Diálogo de Imaginarios, I Expo FAUCE, Centro Cultural
Metropolitano, 2011) tratando de comprender y denunciar las reglas del juego
del arte local, a ser diferentes formas de simpatía.
Análisis compositivo
Sus
trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por
tal
razón,
abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas, géneros, técnicas
y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y nuevas tendencias; piedra,
mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón, plástico, imágenes digitales, diseño
gráfico, fotografía, escultura, instalación, arte objeto) debido a un interés experimental,
expresivo e irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico,
de sus fundamentos y función individual y social.
Análisis comunicacional
Simpatizar con los criterios mayoritarios,
sociales o de grupo (masas) buscando la inserción -por aceptación- del sujeto
dentro de un colectivo, del que luego se obtendrá alguna ventaja útil a su
supervivencia. Pues bien, si dicho colectivo supone el aprecio por uno u otro
arte, entonces habrá que afiliarse al mismo, como un cardumen, mientras más al
centro y menos diferente, mejor.
Simpatizar con el "poder social" de
élite, para obtener de él el respaldo y aval necesario para poder emerger de
entre los "nadies", tal cual lo hacen algunos artistas que conozco.
Chupar, bailar, fumar, tomar cafesito y enseñarle los dientes en señal de
disimulada sumisión, como buen primate.
Simpatizar
con los discursos y valores del espacio social occidental y del campo dominante
del arte mundial. Y cómo no hacerlo, habría que ser bien bruto o una especie de
suicida social, cuando uno de los principios fundamentales es "mantenerse
cerca y empático al Poder" y así sobrevivir recogiendo lo que a éste se le
cae de la boca.
Simpatizar
con las estéticas, los modos, las costumbres, los criterios, los sitios, los
diálogos, los enemigos y los miedos. Y así tener una calmada, asalariada,
normal, larga y autorizada vida. Tal cual los primeros indiecitos que se
dedicaron a copiar de los manuales de iconografía religiosa y real traídos de
Europa.
Análisis crítico personal
Las obras de
este gran señor espectacular artista llamado Mario Fernando García moreno tiene
un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada
individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica
obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en
donde el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y
social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
Análisis contextual
La jodida
posición simbólica del arte quiteño, contemporáneo
BIBLIOTECA DE ARTES /M/16/G216
El
presente estudio indaga sobre la situación subalterna del arte culto quiteño,
contemporáneo, dentro del campo del arte
mundial. Situación atravesada por factores
de origen colonial que, para su entendimiento,
hacen indispensable la revisión de
perspectivas gestadas en el marco de los
estudios sociales, algunas de ellas
desarrolladas hace pocas décadas, tales como
las emanadas desde la antropología
cultural; las nociones sociológicas sobre
espacio, campo y capital; así como de los
Estudios Subalternos. Posiciones teóricas que
permiten entender con mayor claridad
los reclamos realizados por pensadores
contemporáneos en torno al tema propuesto.
Análisis compositivo:
Sus
trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por
tal razón, abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas,
géneros, técnicas y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y
nuevas tendencias; piedra, mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón,
plástico, imágenes digitales, diseño gráfico, fotografía, escultura,
instalación, arte objeto) debido a un interés experimental, expresivo e
irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico, de sus
fundamentos y función individual y social.
Análisis comunicacional
Sus
trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por
tal razón, abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas,
géneros, técnicas y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y
nuevas tendencias; piedra, mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón,
plástico, imágenes digitales, diseño gráfico, fotografía, escultura,
instalación, arte objeto) debido a un interés experimental, expresivo e
irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico, de sus
fundamentos y función individual y social.
Análisis crítico
personal
Las obras de
este gran señor espectacular artista llamado Mario Fernando García moreno tiene
un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada
individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra
de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde
el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y social
para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
Mario Fernando García moreno
Análisis contexto
Representación
escultórica contemporánea de la fauna simbólica precolombina.
jun-2014 Quito:
UCE BIBLIOTECA DE ARTES / AP / 0546
/ B715
Este
proyecto trata sobre la fauna simbólica precolombina y la práctica escultórica contemporánea. Tiene como objetivo, indagar
los fundamentos del arte precolombino, en su dimensión simbólica, para
vincularlo a la práctica escultórica actual, elaborando una obra de arte por
medio de procesos de abstracción y estilización, que establezca una analogía
con el arte ancestral, dando origen a una nueva representación simbólica de la
fauna americana.
Análisis compositivo
Sus
trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por
tal razón, abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas,
géneros, técnicas y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y
nuevas tendencias; piedra, mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón,
plástico, imágenes digitales, diseño gráfico, fotografía, escultura,
instalación, arte objeto) debido a un interés experimental, expresivo e
irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico, de sus
fundamentos y función individual y social.
Análisis comunicacional
Simpatizar
con los criterios mayoritarios, sociales o de grupo (masas) buscando la inserción
-por aceptación- del sujeto dentro de un colectivo, del que luego se obtendrá
alguna ventaja útil a su supervivencia. Pues bien, si dicho colectivo supone el
aprecio por uno u otro arte, entonces habrá que afiliarse al mismo, como un
cardumen, mientras más al centro y menos diferente, mejor.
Simpatizar con el "poder social" de
élite, para obtener de él el respaldo y aval necesario para poder emerger de
entre los "nadies", tal cual lo hacen algunos artistas que conozco.
Chupar, bailar, fumar, tomar cafesito y enseñarle los dientes en señal de
disimulada sumisión, como buen primate.
Simpatizar
con los discursos y valores del espacio social occidental y del campo dominante
del arte mundial. Y cómo no hacerlo, habría que ser bien bruto o una especie de
suicida social, cuando uno de los principios fundamentales es "mantenerse
cerca y empático al Poder" y así sobrevivir recogiendo lo que a éste se le
cae de la boca.
Simpatizar
con las estéticas, los modos, las costumbres, los criterios, los sitios, los
diálogos, los enemigos y los miedos. Y así tener una calmada, asalariada,
normal, larga y autorizada vida. Tal cual los primeros indiecitos que se
dedicaron a copiar de los manuales de iconografía religiosa y real traídos de
Europa.
Análisis criterio
personal
Las
obras de este gran señor espectacular artista llamado Mario Fernando García
moreno tiene un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de
que cada individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la
fantástica obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en
ecuador en donde el puede observar todos los problemas todo proceso político
cultural y social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus
reflejantes obras.
Bibliografía
(s.f.).
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https://es.wikipedia.org/wiki/Marc_Montijano
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STORNAIOLO PINTOR: http://luigi-stornaiolo.blogspot.com/2012/04/obras.html
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STORNAIOLO PINTOR: http://luigi-stornaiolo.blogspot.com/
(s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de
wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Marta_Minuj%C3%ADn
(s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de historia
del arte: http://artesegundasvanguardias.blogspot.com/p/body-art.html
arte actual. (s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de arte actual:
http://www.flacsoandes.edu.ec/arteactual/?p=104
historia universal . (s.f.). Recuperado el 13 de 10 de 2015, de
http://historiarteuniversal.blogspot.com/p/happening-performance-instalacion.html
vimeo.
(s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de vimeo: https://vimeo.com/57150321