miércoles, 14 de octubre de 2015

Trabajo Historia del arte II Isaac Fernandez

HISTORIA DEL ARTE II




Docente:
Paredes Lascano Iliana Sabina


Alumno:
Isaac Fernández



Trabajo:

Proceso de análisis (happening, performance; instalaciones, body art, Luigi stotnayolo y Mario Fernando gracias moreno)  


UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO
CARRERA DE ARQUITECTURA


QUITO – ECUADOR
2015



HAPENNING
Análisis bibliográfico
Marta Inés Minujín (Buenos Aires, Argentina, 30 de enero de 1943) es una artista plástica argentina, conocida por sus obras vanguardistas producidas principalmente durante los años 1960, 1970 y 1980. Su obra, de carácter conceptual, pop, psicodélico y de acción, se ha convertido en el paradigma de la generación baby boomer que, en los años 1960, revolucionó las normas sociales preestablecidas y estableció una contracultura. Nació en Avellaned. Habiendo vivido una infancia que ella misma ha descrito como "horrible", Minujín estudió Bellas artes en algunas escuelas nacionales sin recibirse. A los dieciséis años presentó su primera exposición individual e inició su breve paso por el informalismo. Ese año, Minujín consiguió una beca en Francia y para emanciparse falsificó su documento y se casó con el economista Juan Gómez Sabaini. En 1962 regresó a la Argentina, pero un año más tarde vuelve a París gracias a otra beca. Allí se vincula con el Nuevo realismo y realiza su primer happening, La destrucción (1963), en el que colegas de Minujín destruyeron los trabajos de la artista. De vuelta en Buenos Aires, Minujín presentó varios happenings, performances e instalaciones artísticas en el Instituto Di Tella. Durante fines de los años sesenta, Minujín se adhirió al movimiento contracultural hippie en Nueva York tras haber ganado la Beca Guggenheim, donde se volcó al arte pop y el arte psicodélico. Durante esta época y más tarde en la década de 1970, Minujín trabajó tanto en Buenos Aires como en Nueva York. A fines de los años setenta siguiendo las sugerencias de Roberto Mackintosh comienza con los obeliscos en movimiento y sus obras seccionables y a principios de los ochenta se vuelca al arte ambiental con obras como Repollos (1977) y Toronjas (1977), y a proyectos que desacralizaban mitos populares, como El obelisco de pan dulce (1979) y Carlos Gardel de fuego (1981).
Comenzó sus estudios en las escuelas nacionales de bellas artes de Buenos Aires. Presentó su primera exposición personal en 1959 en el Teatro Agón. En 1960 obtuvo una beca del FNA que le permitió instalarse en París, donde participó en la muestra Pablo [Curatella] Manes y treinta argentinos de la Nueva Generación.
"Nosotros nos autodefinimos como pop. Arte popular, arte que todo el mundo puede entender, arte feliz, arte divertido, arte cómico. No un arte que es necesario entender, es un arte que es necesario gustar; que hace pop y lo entendés."
Comenzó a realizar estructuras habitables, cubiertas de colchones encontrados entre los desechos de los hospitales parisinos. En el baldío del Impasse Roussin, realizó "La Destrucción" (1963), su primer happening, para esta obra reunió todas sus piezas con colchones e invitó a un grupo de artistas a "destruirlas" (Christo, Élie-Charles Flamand, Lourdes Castro, Mariano Hernández y Paul Gette). El mismo año, con Jean-Jacques Lebel, organizó el happening "El Gallo", en la Galería Raymond Cordier. A su llegada a la Argentina, fue una de las pioneras en la representación de happenings en ese país junto a miembros del mítico Instituto Di Tella de Artes.
Análisis contexto

En este happening de 1965 en Costanera Sur, Buenos Aires, Minujín entró al Río de la Plata cubierta en periódicos.
Análisis compositivo
La expresión “arte de acción” es un término amplio que incluye un conjunto de prácticas artísticas basadas en el desarrollo de alguna actividad individual o colectiva, momentánea o durable, que involucra elementos más o menos físicos, o que es completamente inmaterial.
Su aparición está vinculada con el intento de algunos artistas de trascender los medios tradicionales (pintura, escultura, grabado, dibujo), ya sea por encontrarlos limitados en sus cualidades expresivas, por considerarlos políticamente objetables (al relacionarlos con los valores burgueses o el mercado), o simplemente, por la búsqueda de la novedad mediante la renuncia a lo ya conocido o la experimentación.
Análisis comunicacional
Esta obra de happening está compuesta claramente de una persona cubierta con trozos de periódico en el cual esta artista argentina llamada  Marta Inés Minujín podemos observar que el usuario está sentado y con el periódico cubierto literalmente está leyendo el periódico enterándose de todos las noticas políticas, culturales y etc.
Esta argentina trata de sobrellevar los problemas políticos, culturare en una solo fotografía simple y cuerda a todos los medios de comunicación.
Análisis crítico personal
Para mí el happening es una obra artística que lleva todo sentido de composición con pintura y una gran variedad de componentes para la elaboración de una obra en la cual tiene técnica, formas equilibrio y unidad que llena todo como una unión en toda la sociedad en la que vivimos porque cada obra cada happening tarat de sobrellevar los problemas del mundo en específicamente reflejando en estas hermosas y exquisitas obras.
Cave recalcar  como manifestación artística múltiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad.
En el principio el happening es una tentativa de producir una obra de arte que naciese del acto a organizar y con la participación de los "espectadores" (que abandonasen así su posición de sujetos pasivos y se liberasen a través de la expresión emotiva y la representación colectiva). Aunque es común confundir el happening con la llamada acción artística el primero difiere de la segunda en la improvisación.
PERFORMANCE
Análisis bibliográfico
Marc Montijano, artista visual y performer nacido en 1978 en Vic, Barcelona (España), que vive y trabaja en Málaga.
nicia su formación artística en el taller de su padre, el pintor Miguel Montijano. Licenciado en Historia del Arte en la Universidad de Málaga, completa sus estudios en Roma. En sus primeros años compagina la práctica artística con la teoría y la docencia. Trabaja como profesor universitario y crítico de arte para varias publicaciones, para concentrarse paulatinamente, a partir de 2003-04, en su faceta artística. En este periodo de varios años, muestra muy pocos trabajos en público y su obra pictórica va evolucionando de la figuración a la abstracción y del trazó a la materia, a través de sus series: Retratos del Alma (2003-05), Crucifixión (2006-11),1 y Roma (2009-2010).2
En la serie Crucifixión comienza a desplegar gran parte del universo espiritual que luego plasmará y desarrollará con mayor magnitud en su serie Metamorfosis. También supone el inicio del uso de cuerdas en su obra, una de las características más definitorias de su trabajo.3
En paralelo, se va involucrando en el mundo de la performance o arte de acción de la mano de Proyecto Homines, un colectivo artístico al que pertenece, y con el que realiza sus primeras incursiones en el campo de las performances, con proyectos como Adanes y evas (2004-05), Autorretratos (2006), Princesas (2007) o Etéreos (2008). Con los que empieza a investigar en temas sociales.
A aparte de sus performances con Proyecto Homines, en 2009 comienza a realizar sus primeras incursiones en solitario en el campo del arte de acción con trabajos como El Suicidio de Picasso,4 en Málaga, y El suicidio de la esperanza, en Madrid, ambas de su serie Suicidios, en los que aparece la cuerda a modo de soga. Para posteriormente realizar Exposición Efímera (2010), un proyecto a medio camino entre arte urbano, instalación y acción artística, en el que un cuadro del artista permaneció expuesto en plena calle durante cinco horas.
Análisis contexto

47 millones de cabezas de ganado (Metamorfosis XVII), performance realizada el 22 de septiembre en el mercado de San Francisco, Jaén.

Entre sus trabajo destaca la serie Metamorfosis, proyecto iniciado en junio de 2010, con una performance realizada en Málaga en apoyo a las víctimas de la violencia de género.5 A raíz de este trabajo, que tuvo un gran impacto mediático, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, le invita a desarrollar un amplio proyecto con su serie Metamorfosis. La colaboración entre el artista y el CAC Málaga, dura más de un año (desde octubre de 2010 hasta diciembre de 2011), y los frutos de este trabajo fueron once performances.
Metamorfosis es una serie en la que el artista investiga sobre la capacidad humana de cambio, de transformación y los sentimientos que surgen durante ese proceso. Este trabajo con el tiempo se ha convertido en el lenguaje que define a Marc Montijano y mediante el cual se expresa. Su obra posee una estética muy marcada, los personajes de sus acciones van desnudos, tienen la cabeza cubierta por un saco y están enrollados o rodeados de cuerdas. Un elemento determinante en toda su obra, son las cuerdas.
En este proyecto los personajes están rodeados de cuerdas. A veces desatados completamente, con las cuerdas a sus pies o sentados sobre ellas; otras veces a medio atar, deshaciéndose de las ataduras; y en otros casos totalmente enrollados, como una larva. Todo depende del momento concreto de la metamorfosis que quiera representar el artista, desde la fase más profunda hasta la etapa final con el cambio consolidado (estado A, estado B o estado C). Las cuerdas representan el capullo, envoltorio o caparazón en el que germinan y la muda de la que se desprenden cuando despiertan a la nueva vida. Bajo esta imagen turbadora, se esconde un universo reflexivo y fecundo con un destacado poso espiritual. Con un gran peso conceptual, en sus performances reflexiona sobre la sociedad actual y el hombre embrutecido.
Entre sus performances más destacadas, cabe citar, a aparte de la serie llevada a cabo en el CAC Málaga (2010 y 2011), la performance que realizó con varios modelos desnudos delante de la Catedral de Jaén (2012); Morituri te salutant, la acción frente a la sede de Bankia en Madrid, en pleno estallido de la crisis (2012); la performance de cinco horas de duración en la que expuso a varios modelos como trozos de carne en un puesto del mercado de abastos de Jaén (2012); la acción Welcome to Paradise en la que arrojó a un hombre a la basura en Málaga (2013).6 ; el proyecto Exiguo marmore en la galería JM (2013), en el que hacía una crítica al materialismo exponiendo cinco modelos en un escaparate; Una, gran i lliure (2014), donde reflexiona sobre el independentismo y la situación política en Cataluña7 ; Proyecto 47 (2014-2015), en el que retrata el problema de la vivienda en España y sus consecuencias; o su último trabajo, Las dos naturalezas (Metamorfosis XXI), en el Centre Pompidou Málaga 8 .
Análisis compositivo
Esta obra está compuesta por una persona que esta obviamente tapada la cara esto es por motivos de seguridad y privacidad con consiguiente la persona está constituida por una envoltura de cuerda todo su cuerpo tiene cuerdas no tiene un orden en específico están aleatoriamente por todo lado también este usuario lleno de cuerdas esta presentado en una vitrina de vidrio que las personas lo ven como una obra.
La obra de Marc Montijano tiene una composición muy compleja lleno de técnicas ejercidas por la ubicación de las cuerdas en el cuerpo de la persona.
Análisis comunicacional
Metamorfosis es una serie en la que el artista investiga sobre la capacidad humana de cambio, de transformación y los sentimientos que surgen durante ese proceso. Este trabajo con el tiempo se ha convertido en el lenguaje que define a Marc Montijano y mediante el cual se expresa. Su obra posee una estética muy marcada, los personajes de sus acciones van desnudos, tienen la cabeza cubierta por un saco y están enrollados o rodeados de cuerdas. Un elemento determinante en toda su obra, son las cuerdas.

En este proyecto los personajes están rodeados de cuerdas. A veces desatados completamente, con las cuerdas a sus pies o sentados sobre ellas; otras veces a medio atar, deshaciéndose de las ataduras; y en otros casos totalmente enrollados, como una larva. Todo depende del momento concreto de la metamorfosis que quiera representar el artista, desde la fase más profunda hasta la etapa final con el cambio consolidado (estado A, estado B o estado C). Las cuerdas representan el capullo, envoltorio o caparazón en el que germinan y la muda de la que se desprenden cuando despiertan a la nueva vida. Bajo esta imagen turbadora, se esconde un universo reflexivo y fecundo con un destacado poso espiritual. Con un gran peso conceptual, en sus performances reflexiona sobre la sociedad actual y el hombre embrutecido.
Análisis crítico personal
Esta obra me cautivo en su forma de poder crear esta obra como este autor pone todos los componentes necesarios del performance  de una obra espectacular esta obra tiene lo necesario de ser performance y  lo que nos quiere comunicar utilizando un medio vanguardista que es el de la performance es que esta obra está compuesta de una factor de improvisación por ende esta improvisación provoca asombro.
La obra de Marc Montijano da transformación y con cuerda con los sentimientos que surgen durante ese proceso. Este trabajo con el tiempo se ha convertido en el lenguaje que define a Marc Montijano y mediante el cual se expresa. Su obra posee una estética muy marcada, los personajes de sus acciones van desnudos, tienen la cabeza cubierta por un saco y están enrollados o rodeados de cuerdas. Un elemento determinante en toda su obra, son las cuerdas.
INSTALACION
Análisis bibliográfico
Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del street art británico. Nació en Liverpool, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy «nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980». Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes."1 Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.
Graffiti atribuido a Banksy, en Liverpool, Inglaterra.
Recientemente se publicó el libro Freedom Through Football: The Story Of The Easton Cowboys & Cowgirls en donde se confirma la primera fotografía tomada a Banksy mientras realizaba un graffiti en Chiapas, México en 2001.
Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre, Robin Banks, y «robbing banks («robando bancos», en inglés). Otro nombre sugerido incluye el de Robin Gunningham.
Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como «una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner» y «un varón de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata».
Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años.
Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.
Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado «daño criminal» puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).
Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras. Esto lo ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas.
Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas, oportunidades de foto (lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas), soldados orinando, policías, etc.
Hombre desnudo, imagen obra de Banksy, en Park Street, Bristol, Inglaterra, en la pared de un centro de planificación familiar. Según consulta popular efectuada, el ayuntamiento ha decidido que esta imagen no será borrada3 en Park Street, Bristol, Inglaterra. - (Visión más amplia).
En agosto de 2005, Banksy realizó murales sobre el Muro de Cisjordania, construido por Israel en los territorios ocupados de Cisjordania (concretamente en Belén, Ramala y Abu Dis), combinando varias técnicas.
En octubre de 2014, se encontró un nuevo mural de Bansky llamado Girl with a Pierced Eardrum (Chica con un tímpano perforado), el cual se refiere a una parodia del famoso cuadro de Johannes Vermeer llamado Girl with a Pearl Earring (Chica con un arete de perla), cambiando la valiosa joya por una alarma de seguridad en la fachada de un estudio de grabación en Hanover Place, Brístol. El mural atrajo gran atención ya que es exhibido en la ciudad donde creció el artista y apareció después de un gran rumor de su arresto.4
El 22 de agosto de 2015 Bansky inaugura Dismaland, una instalación temporal a modo de parque temático erigido en colaboración con 58 artistas elegidos personalmente por el autor

Análisis contexto

Para parodiar la caída de las cabinas del famoso London Telephone, el famoso artista británico Banksy coloca un hacha a través de éste.
La primera vez que vi una pieza de Banksy  fue por mi padre apenas unos meses después de que esta obra apareciera en las calles de Soho, Londres en 2006. Recuerdo que mi hermano y yo haciamos preguntas sobre esta escultura y mi padre, siendo el Whovian que es, decía “Tal vez, fue atacado por la Tardis”, y para dos niños con un fuerte amor por Doctor Who; bien, no me malinterpreten, esa respuesta parecía de fiar. Ahora que soy mayor, tengo claramente otra opinión al respecto. Al principio, pensé que era acerca de un teléfono público muriendo a causa de la era del teléfono móvil; después de darle vueltas en mi mente una y otra vez, he construído otro argumento; veo algo Occidental, antiguo, la cultura tradicional siendo asesinada justo en el corazón. Una imagen de la cultura británica siendo sacrificada (no cualquier teléfono público es una imagen cultural, no es sólo una piqueta. Esto tiene profundas raíces en la historia británica, por la Minería). Podría usar cualquier otro símbolo cultural;  un Taxi Negro (Black Cab) o un autobús rojo de dos pisos. Supongo que el teléfono público es más fácil o más barato de hacer. Lo entiendo.
Aunque, puede ser sólo la representación de la evolución de la cultura en todo el mundo; todos los países parecen estar influidos por otros. En México, que nos guste o no, parece que hay una gran ola de influencia norteamericana.
Personalmente, ¡esta pieza me encanta! Tal vez, la cultura antigua no muere y sólo se transforma para adaptarse. Darwinismo cultural, supongo y Banksy es un genio absoluto, no hay otra mayor expresión de la posición que tiene una cabina de teléfono en nuestro mundo moderno del siglo 21. Me dan ganas de mudarme a una remota isla tropical sin internet tan sólo de mirar esta obra de arte.

Análisis compositivo
Bueno  en esta obra la composición es de una cabina telefónica que fuera de lo común fuera del alcance normal esta esta tirada y girada también cave recalcar que lleva una hacha atravesad en un espacio del vidrio tiene técnicas que solo el artista lleva a cabo en esta obra también puede reflejarse que el artista utilizo la simpleza de una cabina e una obra que asombra al mundo.
Análisis comunicacional           
Para parodiar la caída de las cabinas del famoso London Telephone, el famoso artista británico Banksy coloca un hacha a través de éste. Personalmente, ¡esta pieza me encanta! Tal vez, la cultura antigua no muere y sólo se transforma para adaptarse. Darwinismo cultural, supongo y Banksy es un genio absoluto, no hay otra mayor expresión de la posición que tiene una cabina de teléfono en nuestro mundo moderno del siglo 21. Me dan ganas de mudarme a una remota isla tropical sin internet tan sólo de mirar esta obra de arte.
Análisis crítico personal
Mi criterio sobre las instalaciones es que las instalaciones artísticas a mi parecer son las que definen el ambiente que existe dentro de una habitación y a la vez las instalaciones sirven como decoración interior, yo pienso que estas obras poseen mucha belleza y estilismo y pueden ser utilizados para muchos fines.




BODY ART
Análisis bibliográfico
Youri Messen-Jaschin (n. 1941 en Arosa, Suiza.) es un artista de origen letón. Como artista es reconocido en el arte cinético y sus incursiones en el body painting. Parte de su obra la realizó mientras vivió en Venezuela.
Realizó sus estudios artísticos en la Universidad Superior Nacional de Bellas Artes y la Universidad de Altos Estudios de la Sorbona, sección ciencias y sociales, en París. De 1962 hasta 1965 visitó el Colegio de Bellas Artes en Lausana, y allí trabajó con el grabador y pintor Ernest Pizzotti.
Su obra artística se inicia en en 1964 en la Expo 64 Lausanne con esculturas cinéticas de vidrio y acrílico.
Durante esta etapa de experimentación y aprendizaje, Youri Messen-Jaschin trabaja dos años en el "Centre de la gravure contemporaine" de Ginebra y poco después se traslada a Zurich, donde extiende sus perspectivas pictóricas bajo la dirección del pintor Friedrich Kuhn. De 1968 hasta 1970, es miembro activo de la Högskolan för design & Konsthantwerk de Gotemburgo, donde trabaja en objetos cinéticos textiles. En 1967, tras una exposición en el Museo de Arte Moderno de Gotemburgo se encuentra con Jesús-Rafael Soto, Carlos Cruz-Díez y Julio Le Parc. Hablando con estos artistas, descubre el arte óptico (Op art), y partir de entonces se dedica de lleno al arte cinético.
Durante su prolongada estadía en Gotemburgo, Messen-Jaschin trabaja en el movimiento y las formas geométricas que integra en sus textiles y sus pinturas al aceite. En esta época su trabajo en el dominio del arte óptico adquieren fama en Escandinavia, donde tiene la oportunidad de exponer en varios museos donde su trabajo es denominado de vanguardia.
En 1968 Messen-Jaschin recibe el primer premio por el arte de la grabación contemporánea Suiza. El mismo año, recibir una beca por parte de Suecia. En los años 70 se traslada a Hamburgo, donde trabaja con artistas alemanes en diferentes proyectos monumentales.
De 1970 a 1981 se instala en Berna, desde donde establece contacto con artistas que trabajan en el mismo movimiento artístico como Oscar Niemeyer en Brasil y Clorindo Testa en Buenos Aires.
En esta época llega a Caracas, donde pone en escena obras teatrales y coreográficas de su creación en el Ateneo de Caracas, el VI Festival Internacional de Teatro, la Fundación Eugenio Mendoza, la Asociación cultural Humboldt (Goethe-Institut), Alianza francesa y la Fundación Interalumina ciudad Guyana. Messen-Jaschin vuelve a Suiza tras la devaluación de la moneda en 1983 a causa de la inestabilidad política del país.
En 1985, recibe la Statua della Vittoria en el Premio Mondiale della Cultura del Centro studi e ricerche delle Nazioni, en Calvatone, Italia. Youri se convierte igualmente en Académicien de l'Europe de la Università e Centro Studi e Ricerche de l'Europa en Italia.
Youri Messen-Jaschin ha participado en numerosas exposiciones particulares y colectivas y ha recibido premios por sus investigaciones en el arte óptico en Italia. Sus obras se encuentran en colecciones privadas y museos. Las superficies amplias y dimensiones monumentales ligadas a la inserción de la tercera dimensión, marcan y distinguen sus trabajos.
Las esculturas de Youri Messen-Jaschin son enriquecidas por el movimiento, son puestas en el medio ambiente (movimiento y desplazamiento en el espacio), y complementadas con música (el movimiento desencadena el sonido). Sus primeras búsquedas e investigaciones con sonidos datan desde finales de los años 1960. En 1970, Messen-Jaschin integra el neón en su arte óptico, el cual continua empleando hoy en día en instalaciones y pinturas de aceite.
Sus composiciones Trip..., Living in...., On Line... con líneas de colores trazados sobre materiales jugando a la transparencia, reproducen estructuras cinéticas particularmente sutiles que ponen en juego lo abstracto y la ilusión por una parte, y la demostración psicofisiológica del movimiento por otra.
Análisis contexto

Como elemento de base, el cuadrado sirve de tela de fondo y se enriquece de otras formas geométrica insertadas en sus lados. Estas formas geométricas reproducidas uniformemente sobre toda la superficie de la obra, se desarrollan progresivamente sin perder su identidad, igual cuando el artista aplica una trama irritante de líneas paralelas. Estas obras imponen la desprogramación de lo programado mentalmente (interpretación a toda voz "pelo a todo pelo") invitándonos a disfrutar de la más pura sensación de fascinación, que desencadena todo sueño.
Youri utiliza continuamente la técnica del encolado para sus aceites y guaches. Sus colores predilectos: rojo, amarillo, verde fuerte, combinaciones de azul y tintes luminosos.
Todo como la construcción algorítmica de los elementos, el juego de colores, estructura plástica, tienta una primera integración de la cibernética y el arte. Su método, empírico, crea nuevas percepciones de los colores y efectos de la óptica particularmente chocantes. Las formas geométricas como el cuadrado, el triángulo o el círculo se desarrollan progresivamente sin perder su originalidad, lo mismo cuando el artista aplica una trama irritante de líneas paralelas.
La utilización que hace Youri Messen-Jaschin del movimiento y del color como medio de comunicación lo trabaja y lo ordena como los arquitectos cinéticos del espacio.
Entre las especialidades de Youri se encuentra el body painting, trabajo que presenta en clubes y puestas en escena, o en la oscuridad utilizando lámparas UV. En este arte, recubre integralmente en cuatro horas cuerpos desnudos con colores psicodélicos y biológicos, sin peligro para la piel.
Análisis compositivo
esta obra esta compuesta por los siguientes factores principalmente por un color llamativo de hecho tiene muchos colores llamativos colores de neón, en la cual todos estos colores llamativos están dispersos por el entorno del cuerpo de una mujer. El artista con delicadeza fue otorgando figuras con colores de neón en todo su cuerpo con un orden específico si podemos observar que en esta caso las figuras son humanas como personitas que llegan un determinado color de neón tiene todo como la construcción algorítmica de los elementos, el juego de colores, estructura plástica, tienta una primera integración de la cibernética y el arte. Su método, empírico, crea nuevas percepciones de los colores y efectos de la óptica particularmente chocantes. Las formas geométricas como el cuadrado, el triángulo o el círculo se desarrollan progresivamente sin perder su originalidad, lo mismo cuando el artista aplica una trama irritante de líneas paralelas.
Análisis comunicacional
En esta obra de body art Craig Tracy quiere hacer notar  la belleza de un cuerpo femenino desnudo, solamente cubierto con pintura, desea comunicar al público que la belleza se puede encontrar en las formas más simples y que no es necesario utilizar demasiadas cosas para demostrarlo.
Análisis crítico personal
En mi criterio personal Yo pienso que el body art es el que mejor plasma la belleza y todo lo que tiene que ver con estética dentro de todas las artes de acción ya que utiliza al propio cuerpo humano la simetría del cuerpo del ser humano y eso le da una mejor apariencia cuando utilizan diversos colores, no solo se aprecia la belleza del arte sino también la de un cuerpo humano. El artista Youri Messen-Jaschin lleva la pintura no necesariamente en cuadros sino también en la simetría del cuerpo aprovecha la belleza del cuerpo para utilizar todas sus magníficas obras de artes.
Análisis bibliográfico
LUIGI STORNAIOLO PIMENTEL
Nació en Quito el 9 de Junio de 1956. Hijo legítimo de Bruno Stornaiolo Miranda, Psicólogo clínico y periodista, autor de la novela "Réquiem por un Dinosaurio", de un volumen de cuentos y de otros libros, y de Angela Pimentel Franco, naturales de Napoles y Quito respectivamente.

El segundo de una familia de cuatro hermanos. Estudió en el Colegio salesiano Cardenal Spelman y vivía en la Cordero y Amazonas. De siete años se enfermó de gripe y su padre le obsequió el libro "Cómo dibujar" para que se distrajera mientras guardaba cama. Aún conserva el libro y cree que su lectura fue la primera motivación que recibió hacia el arte.
Su madre, muy hábil para todo tipo de artesanías, cose, teje, cocina y hacía perfiles pequeñitos de personas amigas, lo que siempre llamó poderosamente su atención. Su abuela paterna Anna Miranda Lalama, vivía su viudez en la casa de al lado, fumaba y conversaba mucho, jugaba naipes y pronto se lo llevó con ella para que la acompañara, además es autora de un poemario impreso bajo el título de "Risas y Lágrimas".
De 12 años comenzó a hacer caricaturas de los principales deportistas de Quito, que su padre hacía pública en "El Comercio" y en "Ultimas Noticias" por S/. 5 cada una.
En 1974 se graduó de Bachiller luego de figurar con honor en el equipo de fútbol de su Colegio, como guardameta de exitosa carrera. Motivado por su padre ingresó a la Facultad de Arquitectura, pues no sabía que funcionaba una de Arte, estudió tres años sin mayores ganas y aprendió nociones de diseño, dibujo técnico y otras técnicas afines.
En 1977 abandonó la Facultad y viajó a visitar a sus tíos los Stornaiolo en Napoles. Fue una época de intensas experiencias, concurrió a Museos, admiró las telas de los grandes maestros y se formó una idea de lo que realmente quería ser en la vida. Hernán Rodríguez Castelo ha opinado que fue en ese viaje que "descubrió las posibilidades de la pintura grande, asumiendo aunque obscuramente, el que sería su estilo, con el paso del tiempo".

Análisis contexto

Frente al insostenible imperativo de pintar algo nuevo, la madurez pictórica de Stornaiolo permite la repetición de personajes gavillezcos y escenas en fuga…
Pájaros gigantescos, florestas idílicas, aguas de ríos privatizados o piscinas de sangre se tragaron todos los intentos de construir sentido. Hemos visto circular la idea de que el Ecuador es un paisaje natural, es decir una imagen configurada en la ausencia de referentes simbólicos, una cordillera pelada sobre la que un hombre refunda una patria. La pintura de Luigi nos recuerda de golpe que esa falta de referentes, esa ausencia de rostros y de miradas, tiene implicaciones macabras. Repetir el paisaje no tiene sentido si ese paisaje no repite –deja ver– la subjetividad de un discurso.  Repetir es la operación predilecta de la búsqueda de sentido. En el contexto de una obra de más treinta años como la de Stornaiolo, repetir esos autómatas grupos orgiásticos, sacarlos de la Mariscal y ubicarlos en el contexto del paisaje natural implica al menos dos variaciones significativas: en primer lugar, se asume que esos grupos siguen siendo la preocupación central de la obra pero no son ya representantes anodinos de lo urbano moderno, de la sexualidad y la muerte, sino que son poderes terratenientes. Éstos grupos han naturalizado –léase esencializado- su relación con el territorio, son la muerte misma. Acuden a morir en un spa o se fugan en una balsa abarrotada, en un océano intemporal… Ana Fernández
Análisis compositivo
Esta obra está compuesta por pinturas determinadas utilizadas por este artista lleva acabo la simetría de cada cuadro él tiene una exquisitos componentes de poder elaborar sus obras cada pintura lleva equilibrio.
Análisis comunicacional
La pintura de Luigi nos recuerda de golpe que esa falta de referentes, esa ausencia de rostros y de miradas, tiene implicaciones macabras. Repetir el paisaje no tiene sentido si ese paisaje no repite –deja ver– la subjetividad de un discurso.  Repetir es la operación predilecta de la búsqueda de sentido. En el contexto de una obra de más treinta años como la de Stornaiolo, repetir esos autómatas grupos orgiásticos, sacarlos de la Mariscal y ubicarlos en el contexto del paisaje natural implica al menos dos variaciones significativas: en primer lugar, se asume que esos grupos siguen siendo la preocupación central de la obra pero no son ya representantes anodinos de lo urbano moderno, de la sexualidad y la muerte, sino que son poderes terratenientes.
Análisis crítico personal
Las obras de este gran señor espectacular artista llamado Luigi Stronaiolo Pimentel  tiene un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
LUIGI STORNAIOLO PIMENTEL
Análisis contexto


AnLa muestra de Luigi Stornaiolo se inauguró en un nuevo espacio para el arte y la cultura en Quito que, generosamente, la Asociación de Funcionarios y Empleados del Servicio Exterior Ecuatoriano, AFESE, ha puesto a la disposición de la comunidad. Este espacio queda en la calle U. Páez y Roca y la exhibición estará abierta hasta el 14 de noviembre.

Como curadora de la muestra, les invito en esta ocasión a acercarnos a la obra de este brillante artista ecuatoriano, a quien considero un filósofo pesimista del Ser. Blasfemo y creyente, corrosivo y moralista, Stornaiolo convive, en la promiscuidad más absoluta, con todas sus personalidades. Su obra recorre un caleidoscopio de la infamia, grita su repugnancia, su aversión, su desprecio a una parte de lo que somos; entretanto, una explosión de fuerzas encontradas se entrechocan y se destruyen mutuamente. El ser humano, vencido en densas pesadillas de fango, en un efluvio corrupto, de pestilencia pegajosa y errática, no puede sino verse atrapado en la seducción de lo infecto. La escoria, engendros del azar y el hastío que desde un quinto piso apestan a cama trasnochada y a sudor obediente, llenos de perfidia y de lagañas, llenos de amargura, de pantomimas, desencajados y erráticos. Como decía el gran Enrique Santos Discépolo en 1934 en el tango Cambalache: “Que el mundo fue y será una porqueríaya lo sé...¡En el quinientos seisy en el dos mil también!”.álisis compositivo
Análisis comunicacional
Este cuadro refleja como una curadora de la muestra, les invito en esta ocasión a acercarnos a la obra de este brillante artista ecuatoriano, a quien considero un filósofo pesimista del Ser. Blasfemo y creyente, corrosivo y moralista, Stornaiolo convive, en la promiscuidad más absoluta, con todas sus personalidades. Su obra recorre un caleidoscopio de la infamia, grita su repugnancia, su aversión, su desprecio a una parte de lo que somos; entretanto, una explosión de fuerzas encontradas se entrechocan y se destruyen mutuamente. El ser humano, vencido en densas pesadillas de fango, en un efluvio corrupto, de pestilencia pegajosa y errática, no puede sino verse atrapado en la seducción de lo infecto.
Análisis crítico personal
Las obras de este gran señor espectacular artista llamado Luigi Stronaiolo Pimentel tiene un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
 LUIGI STORNAIOLO PIMENTEL
Análisis contexto

Es ardua la tarea de intentar decir algo nuevo acerca la obra de un gran maestro sobre la cual mucho se ha escrito. Sin embargo, su pintura perpetúa un diálogo con la humanidad y no renuncia hoy a su presencia ni a su actualidad. A pesar de sus arduas circunstancias vitales, Luigi continúa forzando a la naturaleza, exprimiéndole sentimientos, críticas y miedos. Es la lucha de la creatividad contra la nada.
La degradación de las ‘almas cariadas’, como diría Girondo, es una constante en la obra de Stornaiolo. En un clima de asfixia, una corriente corpórea de miembros sacude el lienzo y no nos deja impávidos, un hedor pegajoso y errante nos contamina con su efluvio corrupto. Esa agresividad ambivalente está cargada de una ironía moralizante, una ética religiosa que germina desde su infancia a través de su educación en un colegio católico. Es la náusea que siente por una parte de lo humano, esa dicotomía de lo que somos: una parte de nosotros es mirada como perteneciente a un mundo condenado a la perdición…el artista, en una especie de maniqueísmo, nos juzga y, al mismo tiempo, se juzga a sí mismo, a su parte más débil. Los personajes que representa son seres de una idiotez purulenta, de gestos leprosos que inspiran aversión y desprecio. En una palabra, cada cuadro incluye un dilema moral, un pesimismo sistemático que se cuela en casi todos los resquicios. El ser no es individual sino representa parte de una masa amorfa, amoral e irreverente.

Muchas veces se ocupa del ambiente urbano, en particular de la noche y su ‘fauna’. La vida bohemia y la ignominia aparecen en obras emblemáticas como “Baile de amplio como de reconocido prestigio en el medio” o en “Caracteres de miseria en el quinto piso” de principios de los noventas. La ebriedad caricaturizada que intoxica el espíritu y la razón (“Espectáculos energumenescos de gente ebria en noche plenilunada”), la glotonería (“Gran Bufatta”, 1993), la avaricia (“Cajero automático”, 1996), la hipocresía (“Velorio en Santa Teresita”, 1993), los detritus humanos (“Unos que cagan”,  1996; “Baño de hombres”, 1997) o la lujuria (“Coje”, 1996) son parte de ese leitmotiv  que impregna la obra de Stornaiolo.

De técnica brillante, cuya inspiración proviene del Renacimiento y del Barroco, a Stornaiolo se lo ha comparado en innumerables ocasiones con el Bosco, con Goya, o con Francis Bacon, pero también con la fuerza moralizante, corrosiva y crítica del primer expresionismo alemán de ‘Die Brücke’. Lo que ocupa el resto del cuadro es la mancha, un estilo de pinceladas gruesas y una gran autonomía del color.
Si el arte ambiciona ser la ‘patentización’ de la verdad (Heidegger) o como decía Picasso “es una bella mentira que nos hace ver la verdad”, en Stornaiolo se hace visible la verdad más oscura del ser humano, lo que no queremos ver, el tabú o la sombra jungiana que negamos pero está omnipresente y se refleja en la alteridad que juzgamos. Tal como decía Adorno, en un mundo terrible, es inmoral hacer un arte bello o que pretenda serlo. El perverso curso del mundo, hoy desmantelado de pájaros, de marchito cielos mustios, devastado y grisáceo, de atardeceres rancios, exprimido hasta el tuétano, está demasiado lleno de cuerpos intoxicados de instintos, y al arte no le queda más remedio que sacudirnos.
El arte intenta dar respuestas, representa al Yo del artista tanto como al No-Yo, es decir, al Universo que lo rodea, y es precisamente la obra de arte la poseedora de una fuerza catártica y el nexo que comunica al artista con el otro: el espectador. Pero a través de la disonancia, Luigi Stornaiolo nos da una cachetada incitándonos a una reacción que desencadene lo destructivo- transformador. Sigmund Freud pensaba que el arte rinde tributo a las fuerzas más recónditas y socialmente consideradas salvajes, carnales y violentas que gobiernan lo humano. A través de la obra brillante de este gran artista ecuatoriano podemos comunicarnos con lo abyecto que hay en nosotros mismos y transmutar en este juego alquímico hacia el aspecto divino de lo inmanente.
Análisis comunicacional
De técnica brillante, cuya inspiración proviene del Renacimiento y del Barroco, a Stornaiolo se lo ha comparado en innumerables ocasiones con el Bosco, con Goya, o con Francis Bacon, pero también con la fuerza moralizante, corrosiva y crítica del primer expresionismo alemán de ‘Die Brücke’. Lo que ocupa el resto del cuadro es la mancha, un estilo de pinceladas gruesas y una gran autonomía del color.
Si el arte ambiciona ser la ‘patentización’ de la verdad (Heidegger) o como decía Picasso “es una bella mentira que nos hace ver la verdad”, en Stornaiolo se hace visible la verdad más oscura del ser humano, lo que no queremos ver, el tabú o la sombra jungiana que negamos pero está omnipresente y se refleja en la alteridad que juzgamos. Tal como decía Adorno, en un mundo terrible, es inmoral hacer un arte bello o que pretenda serlo. El perverso curso del mundo, hoy desmantelado de pájaros, de marchito cielos mustios, devastado y grisáceo, de atardeceres rancios, exprimido hasta el tuétano, está demasiado lleno de cuerpos intoxicados de instintos, y al arte no le queda más remedio que sacudirnos.
Análisis crítico personal
Las obras de este gran señor espectacular artista llamado Luigi Stronaiolo Pimentel  tiene un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
Análisis bibliográfico
Nació en la ciudad de Ibarra. Su padre, Mario Francisco Raúl García Gallegos y su madre la dama Ibarreña Mercedes Magdalena del Carmen Moreno Almeida. Su padre oriundo de Riobamba, nació el 9 de febrero de 1.939. Cuando niño se trasladó a vivir a la ciudad de Ibarra, donde conoció a su esposa quien había nacido en octubre de 1.942. La influencia familiar y el ambiente artístico literario y lúdico fueron muy fuertes. Por parte de su madre, hubo una importante vena artística vinculada tanto a la familia.
Almeida como a la familia Moreno. Se recuerda, en especial, a la abuela de nuestro personaje, doña Jael Almeida, mujer virtuosa en el piano, quien incursionó en este arte, incluso participó en recitales permanentes en la Radio Municipal La Voz de Imbabura.
En esta familia, la mayoría de sus miembros eran virtuosos en algún instrumento musical.
Como influencia importante de su vida, cita a sus tíos maternos, a Patricio y Fernando Moreno Almeida, debido a su interés por la creatividad manual y a su perspectiva particular, analítica y filosófica de la sociedad y de la vida en su conjunto.
En el hogar formado por Mario García y Mercedes Moreno Almeida, nacieron cinco hijos: María Isabel, Alexandra, Helena, Silvana y Mario García Moreno. De entre ellos, debemos hacer mención a sus hermanas Helena y Silvana, que han incursionado también, con éxito, en la escultura y también en la pintura.
Helena expone con gran aceptación en las galerías de Alemania y pasea su arte por Europa. Silvana, está vinculada a la dinámica de la defensa de la naturaleza y desde ese eje se vincula al arte.
De su padre, don Mario García, hereda el amor a la literatura, la afición por los libros, la contemplación y el análisis filosófico, el gusto por la ficción y sin duda, la afición y la sensibilidad por las artes plásticas. De hecho, en la actualidad, el padre es el presidente de la Fundación Pedro Moncayo, que patrocina las artes plásticas, la producción literaria y la protección del patrimonio. Como vemos, el ambiente familiar y social que rodeó su infancia influyó notablemente en su afición por el arte, concretamente la escultura y la pintura. Cuando vivió y estudió en Quito, su madre Mercedes aún vivía y la casa maternal bullía con la presencia de intelectuales, artistas jóvenes rebeldes y políticos vinculados a la protesta social. El eje en este hogar era la presencia sonriente y acogedora de doña Mercedes, quien Lastimosamente falleció de un cáncer terminal.
Análisis contexto

El "campo dominante" del arte (Bourdieu) es emulado inútilmente -a pequeña escala- en la ciudad de Quito (Ecuador), principalmente por parte de sujetos y círculos sociales pertenecientes a las capas más occidentalizadas o en proceso de serlo (estudiantes). Casi todos los artistas locales tratan de establecer empatía con los principios de ese arte, practicando la estrategia de la "mímesis complaciente" ya desde épocas coloniales y republicanas, sin resultados considerables, lamentablemente.

Sobre esa dependencia cultural se ha teorizado ya bastante: Marta Traba (Dos décadas vulnerables de las artes plásticas latinoamericanas) y Juan Acha (Las culturas estéticas de América Latina) constituyen un buen ejemplo de lo mencionado. Oswald de Andrade (1928) nos dijo: "solo me interesa lo que no es mío" en su manifiesto antropófago, dando cuenta y enfrentando el problema con responsabilidad social.
Ahora, sin embargo, su pensamiento crítico al parecer se disolvió en la nada, en el ámbito artístico nacional, dentro del cual los actores sociales ignoran o aparentan ignorar los factores que aún inciden sobre la valoración de su producción artística y sobre su propia significación. Sobre tal significación del artista local ya he hablado en una de mis obras: "El significante es el significado" (Diálogo de Imaginarios, I Expo FAUCE, Centro Cultural Metropolitano, 2011) tratando de comprender y denunciar las reglas del juego del arte local, a ser diferentes formas de simpatía.
Análisis compositivo
Sus trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por tal
razón, abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas, géneros, técnicas y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y nuevas tendencias; piedra, mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón, plástico, imágenes digitales, diseño gráfico, fotografía, escultura, instalación, arte objeto) debido a un interés experimental, expresivo e irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico, de sus fundamentos y función individual y social.
Análisis comunicacional
 Simpatizar con los criterios mayoritarios, sociales o de grupo (masas) buscando la inserción -por aceptación- del sujeto dentro de un colectivo, del que luego se obtendrá alguna ventaja útil a su supervivencia. Pues bien, si dicho colectivo supone el aprecio por uno u otro arte, entonces habrá que afiliarse al mismo, como un cardumen, mientras más al centro y menos diferente, mejor.
 Simpatizar con el "poder social" de élite, para obtener de él el respaldo y aval necesario para poder emerger de entre los "nadies", tal cual lo hacen algunos artistas que conozco. Chupar, bailar, fumar, tomar cafesito y enseñarle los dientes en señal de disimulada sumisión, como buen primate.
Simpatizar con los discursos y valores del espacio social occidental y del campo dominante del arte mundial. Y cómo no hacerlo, habría que ser bien bruto o una especie de suicida social, cuando uno de los principios fundamentales es "mantenerse cerca y empático al Poder" y así sobrevivir recogiendo lo que a éste se le cae de la boca.
Simpatizar con las estéticas, los modos, las costumbres, los criterios, los sitios, los diálogos, los enemigos y los miedos. Y así tener una calmada, asalariada, normal, larga y autorizada vida. Tal cual los primeros indiecitos que se dedicaron a copiar de los manuales de iconografía religiosa y real traídos de Europa.
Análisis crítico personal
Las obras de este gran señor espectacular artista llamado Mario Fernando García moreno tiene un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
Análisis contextual
La jodida posición simbólica del arte quiteño, contemporáneo
BIBLIOTECA DE ARTES /M/16/G216
El presente estudio indaga sobre la situación subalterna del arte culto quiteño,
 contemporáneo, dentro del campo del arte mundial. Situación atravesada por factores
 de origen colonial que, para su entendimiento, hacen indispensable la revisión de
 perspectivas gestadas en el marco de los estudios sociales, algunas de ellas
 desarrolladas hace pocas décadas, tales como las emanadas desde la antropología
 cultural; las nociones sociológicas sobre espacio, campo y capital; así como de los
 Estudios Subalternos. Posiciones teóricas que permiten entender con mayor claridad
 los reclamos realizados por pensadores contemporáneos en torno al tema propuesto.
Análisis compositivo:
Sus trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por tal razón, abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas, géneros, técnicas y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y nuevas tendencias; piedra, mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón, plástico, imágenes digitales, diseño gráfico, fotografía, escultura, instalación, arte objeto) debido a un interés experimental, expresivo e irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico, de sus fundamentos y función individual y social.
Análisis comunicacional
Sus trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por tal razón, abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas, géneros, técnicas y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y nuevas tendencias; piedra, mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón, plástico, imágenes digitales, diseño gráfico, fotografía, escultura, instalación, arte objeto) debido a un interés experimental, expresivo e irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico, de sus fundamentos y función individual y social.
Análisis crítico personal
Las obras de este gran señor espectacular artista llamado Mario Fernando García moreno tiene un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.
Mario Fernando García moreno
Análisis contexto
Representación escultórica contemporánea de la fauna simbólica precolombina.
jun-2014 Quito: UCE        BIBLIOTECA DE ARTES / AP / 0546 / B715
Este proyecto trata sobre la fauna simbólica precolombina y la práctica escultórica  contemporánea. Tiene como objetivo, indagar los fundamentos del arte precolombino, en su dimensión simbólica, para vincularlo a la práctica escultórica actual, elaborando una obra de arte por medio de procesos de abstracción y estilización, que establezca una analogía con el arte ancestral, dando origen a una nueva representación simbólica de la fauna americana.
Análisis compositivo
Sus trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual; por tal razón, abarcan variedad de perspectivas culturales, tendencias, temáticas, géneros, técnicas y materiales (arte primitivo, bellas artes, arte moderno y nuevas tendencias; piedra, mármol, bronce, madera, cerámica, metal, cartón, plástico, imágenes digitales, diseño gráfico, fotografía, escultura, instalación, arte objeto) debido a un interés experimental, expresivo e irreverente que muestran concepciones rígidas del lenguaje plástico, de sus fundamentos y función individual y social.
Análisis comunicacional
Simpatizar con los criterios mayoritarios, sociales o de grupo (masas) buscando la inserción -por aceptación- del sujeto dentro de un colectivo, del que luego se obtendrá alguna ventaja útil a su supervivencia. Pues bien, si dicho colectivo supone el aprecio por uno u otro arte, entonces habrá que afiliarse al mismo, como un cardumen, mientras más al centro y menos diferente, mejor.
 Simpatizar con el "poder social" de élite, para obtener de él el respaldo y aval necesario para poder emerger de entre los "nadies", tal cual lo hacen algunos artistas que conozco. Chupar, bailar, fumar, tomar cafesito y enseñarle los dientes en señal de disimulada sumisión, como buen primate.
Simpatizar con los discursos y valores del espacio social occidental y del campo dominante del arte mundial. Y cómo no hacerlo, habría que ser bien bruto o una especie de suicida social, cuando uno de los principios fundamentales es "mantenerse cerca y empático al Poder" y así sobrevivir recogiendo lo que a éste se le cae de la boca.
Simpatizar con las estéticas, los modos, las costumbres, los criterios, los sitios, los diálogos, los enemigos y los miedos. Y así tener una calmada, asalariada, normal, larga y autorizada vida. Tal cual los primeros indiecitos que se dedicaron a copiar de los manuales de iconografía religiosa y real traídos de Europa.
Análisis criterio personal
Las obras de este gran señor espectacular artista llamado Mario Fernando García moreno tiene un factor importante en la sociedad el lleva sus obras acabo de que cada individou las mire y quede aombrado, inspirado y alumbrado por la fantástica obra de este artista en el tema de sus obras el las lleva acabo en ecuador en donde el puede observar todos los problemas todo proceso político cultural y social para sacar para expresar todo esos conflictos en sus reflejantes obras.

Bibliografía

(s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Marc_Montijano
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(s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de LUIGI STORNAIOLO PINTOR: http://luigi-stornaiolo.blogspot.com/
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(s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de historia del arte: http://artesegundasvanguardias.blogspot.com/p/body-art.html
arte actual. (s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de arte actual: http://www.flacsoandes.edu.ec/arteactual/?p=104
historia universal . (s.f.). Recuperado el 13 de 10 de 2015, de http://historiarteuniversal.blogspot.com/p/happening-performance-instalacion.html
vimeo. (s.f.). Recuperado el 14 de 10 de 2015, de vimeo: https://vimeo.com/57150321